Lors de sa sortie en salle j’ai couru voir Le Ruban Blanc de Michael Haneke, la palme du festival de Cannes 2009. J’ai alors été frappé (gentiment) par les lumières de ce film. J’avais cherché durant toute la projection l’emplacement des réflecteurs, drapeaux, projecteurs et autres sources et outils lumineux…en vain! Depuis ce film m’est resté en travers, plus par son aspect technique incompréhensible et incroyable que par l’histoire elle-même, puis je l’ai un peu oublié jusqu’à aujourd’hui… Je cherche un peu sur le net et je tombe enfin sur l’explication de mon incapacité à répondre à ces questions de positionnement de lumières !

Si on invente sans cesse des dispositifs comment est-ce que je vais faire moi pour trouver où Raymond a placer le réflecteur 32 pour avoir la robe bien noire, les pieds dans l’ombre, les bras vaporeux et le visage bien lumineux…? Je vous laisse lire cet entretien avec le directeur de la photographie du film, Christian Berger. C’est juste technique comme il faut mais au moins ca règle le débat sur le numérique face à l’argentique au cinéma…

…

…

En voyant le film, on ne peut penser qu’à des ambiances de films de Bergman… Etait-ce l’une de vos références ?

On a pas vraiment parlé de ça… Je crois que Michael Haneke en avait même un peu peur !
Mais vu le sujet, les décors, on ne pouvait que difficilement échapper à la comparaison avec les images de Sven Nykvist. J’ai donc voulu aller vers une image noir et blanc, d’une beauté nouvelle, résolument moderne, et éviter à tout prix le coté “ rétro ”. Nos seules recherches se sont dirigées vers des films d’époque, dont certains de Luchino Visconti ou de Clint Eastwood, qui jouent avec des lampes à pétrole.

Comment avez-vous tourné ? La projection numérique cannoise donnait l’impression d’une image extrêmement piquée, avec une échelle de nuances très riche… Est-ce de la prise de vue numérique ?

Eh non ! Le résultat tel qu’il a été projeté à Cannes, en numérique, est vraiment un bon exemple de croisement entre les deux technologies (argentique et numérique)… A la fois, le film n’aurait sans doute pas pu être capté en numérique sur le plateau à cause du très faible niveau de lumière utilisé sur les intérieurs nuit. En effet, Michael Haneke ne supporte pas les plateaux trop éclairés. Il veut déjà voir sur le plateau comme il imagine son film… Tourner à des diaphs élevés ou avec de la pellicule 100 ISO en intérieur est une chose impossible à lui faire accepter ! Vu les contrastes extrêmes des lampes à pétrole dans le champ, seule la latitude extrême du film nous le permettait. D’un autre côté, la projection et la postproduction numériques ont été indispensables pour atteindre cette image noir et blanc si moderne au final…

Avez-vous tourné en pellicule N&B ?

Comme les chaînes de télévision ont imposé par contrat de leur délivrer une version en couleur du film, nous avons été forcés de tourner de cette manière.
Au début, on était certes un peu déçu de ne pas faire le film directement en noir et blanc… Mais après quelques tests, je me suis aperçu que la combinaison entre les nouvelles négatives couleur Kodak Vision (500T, 250D et 100T), le scan en 4K et l’étalonnage numérique en noir et blanc était exactement ce qu’il nous fallait pour atteindre cette sorte de modernité.
Je pense que notamment sur l’échelle des gris, il n’ y a aucune comparaison possible avec les anciennes négatives noir et blanc dont la technologie n’a pas évolué depuis presque 30 ans… Aujourd’hui, on n’obtient cette qualité qu’en numérique.

Il y a aussi une grande séquence d’extérieur jour très brillante, en plein soleil au milieu du film (la fête de la moisson)… Comment avez-vous procédé pour cette longue séquence qui tranche un peu avec les intérieurs très sombres que vous décrivez ?

Pour cette séquence, je n’ai fait que moduler le contraste avec quelques réflecteurs. C’est aussi la force de la prise de vues en film dans ce genre de situation d’extérieurs jour très contrastés. C’est là où la collaboration avec le créateur de costumes est primordiale. Par exemple, on a dû faire un tas de tests sur les tissus à utiliser, des tissus aux motifs parfois très fins et complexes pour éviter de ramener des effets de moiré lors du passage en numérique.

Parlez nous de votre méthode unique d’éclairage et de votre système CRLS…

Ma démarche est plus “ philosophique ” que technique. C’est plus une nouvelle méthode qu’une nouvelle machine. En fait, je souhaitais libérer le plus possible le plateau de cet encombrement chronique de pieds, d’accroches, de câbles et de drapeaux… En tant que réalisateur moi-même, j’en ai souffert bien souvent et je sais que les comédiens aussi. C’est pour cela que j’ai décidé d’explorer à fond la voie de la lumière réfléchie, ce qui n’a rien de révolutionnaire en tant que tel quand on y pense.
La lumière solaire, qui est la première source utilisée depuis la nuit des temps, est elle-même en permanence réfléchie dans la vie de tous les jours… Pour recréer un tel dispositif, il m’a fallu mettre au point un projecteur particulier (Panibeam) à partir d’une ampoule HMI capable d’envoyer un rayon de lumière optiquement pur et au faisceau parfaitement rectiligne. Quelque chose s’apparentant au rayonnement solaire (dont les rayons sont tous parallèles, venant de l’infini) qui permet de jouer à loisir sur de multiples réflexions.

Ce qui techniquement est nouveau, c’est la haute efficacité du projecteur et des réflecteurs qui permettent le contrôle précis du caractère de la lumière, sa distribution et la définition des contrastes. En développant en même temps toute une gamme de panneaux réflecteurs (les Paniflectors), on peut ensuite rediriger la lumière jusqu’au plus profond d’un décor sans rajouter de sources… C’est un peu comme un peintre qui observe la lumière naturelle et qui l’exploite en la redistribuant sur sa toile…

Quelle est votre scène favorite en terme d’image et qui illustre bien l’utilisation du CLRS ?

Il y a par exemple la scène où le petit garçon demande à la jeune fille ce que c’est que la mort… Pour cette scène, on a reconstruit un décor intérieur qui donnait sur la place du village (pour les découvertes). C’était une scène assez complexe, car elle est censée se passer au crépuscule. Je n’ai utilisé qu’un seul projecteur qui passait à travers la fenêtre, avec quelques petits réflecteurs autour de la caméra pour redistribuer très délicatement et précisément la lumière de base sur les visages. C’est très subtil, et c’est à mon sens dans ce genre de situations qu’on tire le meilleur parti du système.

Dans quelles puissances trouve-t-on ces fameux projecteurs ?

Les projecteurs existent en deux versions, le RLS 70 et le RLS 40, respectivement de diamètre 70 et 40 cm, équipés de lampes 1 200 et 800 W. En fait, c’est surtout la surface du projecteur qui est importante car elle permet de placer plus ou moins de réflecteurs, et éclairer un champ plus ou moins large… Les réflecteurs sont très légers, très facile à accrocher et à dissimuler sans avoir à sortir des barres ou du matériel lourd d’accroche projecteurs.
En outre, le réglage des lumières est plus rapide et on peut tourner avec très peu d’énergie. Par exemple, sur Caché, je n’ai eu besoin que de 7 kW… Sur Le Ruban blanc, je n’ai jamais dépassé les 12 kW… Et le plus drôle, c’est qu’on attendait toujours le maquillage ou les costumes plutôt que la lumière !

Propos recueillis pour l’AFC par François Reumont

Tout l’entretien est diffusé ici, sur le site de l’Association Française des Directeur de la Photographie Cinématographique.

Photo extraite du film, “Le Ruban Blanc”… on s’en serait douté…

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Il y a des moments qui restent gravés, des sensations qui persistent et des découvertes que l’on sait bouleversantes sur le vif!

Hier soir, ou plutôt ce matin, à 3h20 dans mon lit, je décide de préciser un sentiment d’inachevé et lacunaire.. Qui est ce Chris Marker, lui qui est cité dans de nombreux livres de photo qu’on trouve au rayon cinéma des librairies? Quel est ce film, la Jetée, dont on parle tellement dans les milieux  appropriés depuis les années 1960? D’où vient ce nom qui ressort sans cesse chez les intellos et les spécialistes du cinéma? C’est avec toutes ces questions en tête que j’ai fouillé, sur le net, bien installé sous ma couette, l’iPhone en main.

L’homme

Un photographe qui fait du cinéma (et inversement) ce n’est pas rare, mais le palmarès de C. Marker est encore plus impressionnant qu’une simple reconversion! Pour commencer il faut savoir que Chris Marker est français… il est né sous le nom de Christian Bouche-Villeneuve, en 1921! Plus important encore il a été assistant réalisateur d’Alain Resnais en 1955 sur le chef d’œuvre Nuit et brouillard… quels débuts prometteurs!

Alain Resnais a dit de lui: “Il me paraît un personnage fascinant, à ma connaissance unique au monde. Je ne connais personne qui puisse avoir à la fois ce sens des problèmes politiques contemporains, ce goût du beau, cette espèce de joie devant la culture et devant l’art, cet humour, et qui arrive, lorsqu’il fait un film, à ne se séparer d’aucune de ces tendances.” (Image et Son, avril-mai 63)

Solitaire, grand voyageur, attentif à l’évolution des idées, des hommes et du monde, Chris Marker a multiplié les activités cinématographiques.

Le film

La Jetée raconte l’histoire d’un homme marqué par une image d’enfance. La scène qui le troubla par sa violence, et dont il ne devait comprendre que beaucoup plus tard la signification, eut lieu sur la grande jetée d’Orly, quelques années avant la début de la Troisième Guerre Mondiale…

Ce court sort en 1962 en France et il deviendra un classique de la SF, du cinéma et plus généralement un classique pour toute une génération d’intellectuels! Il faudra attendre trente quatre ans pour que Terry Giliam en fasse un long métrage, L’armée des 12 singes!

La particularité de ce court métrage réside dans la forme utilisée, suite de photographies, accompagnées d’une voix off plus que présente… Le résultat est spectaculaire! Pourquoi vouloir rajouter des effets alors que ce travail brut fonctionne à merveille?! Bien sur, ce travail est bien loin d’un collage rustique de photos sur fond parlé… Tout est précis, maitrisé et diablement convaincant. Je ne vais pas plus palabrer sur ce chef d’œuvre, vous trouverez largement assez de bouquins précis sur la Jetée. A voir d’urgence en bas de cet article…ou à acheter en DVD!

sources: ici et là

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Tout commence il y a quelques mois quand je tombe sur la bande annonce d’un film étrange, HUNGER… Tout y est propre, les cadrage précis, un tempo oppressant et un rendu esthétique mimant celui de la photo  commerciale. Le sujet m’est inconnu et il n’est pas clairement exprimé dans ces quelques secondes de vidéo…Suspens… Il faudra attendre la sortie en salle pour en savoir plus.

Je rentre tout juste du ciné, 1h40 de film et j’aurais aimé que cela ne s’arrête pas! Je suis pénible avec le cinéma,  tout me lasse ou me semble déjà vu et entendu, de la reprise de classiques (je ne parle ici que de la photographie et de l’esthétique)…mais cette fois c’est bien différent. Les plans sont tous parfaits (sisi, j’vous jure m’sieu dames), du cadrage ou choix du close-up. Je suis bluffé de retrouver toute l’attention nécessaire à une prise de vue dans chaque plan de Hunger.

Les flous sont assumés, les plans très serrés et les plans fixes sont un bonheur pour le fanatique que je suis. C’est un régal que de voir cette approche léché et perfectionniste dans un film au sujet brutal et aux sons si froids et durs. Les ambiances sont profondes et denses et chaque minute passe bien trop vite!

Hunger se rapproche donc bien d’un reportage photo dans le sens où l’image à une importance de l’ordre du vital, dialogues sont rares et les sont ambiants suffisent à nous faire pénétrer dans l’univers. Des plans, des atmosphères et des visages sombres…pensez au mini reportage de Phillip Toledano sur son père et aller voir ensuite HUNGER…vous y trouverez des ressemblances frappantes dans la forme!

Vous l’aurez compris je suis sous le charme. Amateurs de reportage photo de qualité, foncez. Bien sur il y a une narration et du mouvement mais vous apprécierez encore plus ce mélange en ayant l’œil avisé. Le cadrage précis d’une photographie et le plan fixe travaillé ne sont-ils pas du même registre?!

Bande annonce HD

Parce qu’il est bon de s’en prendre plein la vue au cinéma je vous propose la bande annonce en HD du prochain film (chef d’œuvre visuel) de Tarsem Singh, The Fall. C’est ce même réalisateur Indien qui en 2000 avait marqué le cinéma par The Cell, navet scénaristique à l’esthétique sublime.

Tarsem Singh est avant tout réalisateur de clip et de pub, ce qui peut expliquer cette incroyable volonté visuelle mais également et malheureusement ce vide de scénario. Il a réalisé des pubs pour Coca, nike ou encore Levi’s mais aussi le clip de Losing My Religion pour R.E.M. qui a été récompensé de nombreuses fois.

La photo de The Fall s’annonce encore une fois à tomber et attirera, j’en suis sur, ceux qui aime les plans amples, le vide en plein cadre et le baroque coloré. Je vous préviens dès que ça sort

En attendant voici la bande annonce en HD. The Fall (sortie US en mai 2008, sortie UK en octobre 2008, en France…?)

1080p | 720p | 480p

Pour ceux qui voudraient en savoir un peu plus sur le précédent film: The Cell

bande annonce

Et pour finir voici le clip de Losing My Religion pour R.E.M.

[youtube]http://www.youtube.com/watch?v=M7vs21ZKrKM[/youtube]

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Je crois que tout est dit Qui ne va pas le voir ne merrite plus de vivre. Un petit bijoux, précieux et délicat, à contre courant et surtout jubilatoire.

Je ne vais pas mettre trop de ” ! ” pour garder l’article lisible mais c’est a conte cœur.

L’histoire…une famille américaine de base en plein clash doit emmener la petite dernière à une concours de beauté… Pas terrible comme pitch mais leurs aventures sont non pas extraordinaires mais bien au contraire tout a fait humaines. (en gros…).

Voici une entrée dans mon top 10 des meilleurs films de tout les temps, simplement. Laissez vos impressions si vous l’avez deja vu…

Affiche améliorée.

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